La peinture de Mabounga est figurative, figurative sans vergogne ; elle ne se cache pas derrière des jeux de lumière ou de couleur. Elle est posée, en à plat, depuis un lit de couleur qui a, ou pas, à voir avec le motif. Voire, le motif est utilisé tel quel, et contouré ; par exemple la série “Promenade” (en bas d’article), est ainsi peinte directement sur du vieux papier-peint, que Mabounga peut laisser intact. Cela s’inscrit dans la démarche pratique de notre peintre, qui n’utilise pas la toile, mais plutôt des supports de récupération (affiches, papier-peint…). Mais en l’occurrence le motif du papier-peint devient la matière même de l’épiderme. Nous avons un corps-papier qui ne fait pas oublier qu’il serait un propos de corps réel (la magie de la peinture), puisque le matériau même dévore, en quelque sorte, ce corps qui ne peut pas échapper à sa nature même, qui est d’être du papier-peint. Dans le même geste, il y a donc un envoi vers ce qui est représenté — un corps — et une annulation de ce même corps par son origine même — du papier-peint. Ce retour vers l’annulation du motif (le corps représenté) n’est peut-être pas sans violence, après tout… 

À propos de ces corps peints, Mabounga parle de « fragments » qu’il assemble (lire ci dessous : « c’est comme des hybrides en fait, je prends des fragments ; par fragments je construis »). Les corps maboungiens ressemblent effectivement à des associations de membres, disposés côte à côte, comme des « pièces », à l’étal de la vision. Des morceaux agencés qui, en vrai, ne sauraient exister. Il sont anatomiquement impossibles ; et Mabounga le sait très bien. Ce n’est pas un peintre pris en défaut d’harmonie, c’est justement ces défauts qui l’intéressent. 

C’est alors la composition qui fait comprendre l’illusion de la cohérence, que nous voulons, face à un tableau anthropomorphe, rétablir. C’est donc aussi la question du cadre, question essentielle de la peinture, qui est posée par ces corps parfois comme comprimés dans l’espace du cadre (voir sans-titre). Comme il le dit, « il faut [que le dessin] rentre » dans le cadre. Et c’est bien une caractéristique du dessin ou de la peinture chez Mabounga, les corps sont limitrophes, voire hors-cadre, dans ce dernier cas Mabounga dit qu’il « continue hors-dessin ». Continuer hors-dessin ? C’est une parole d’artiste ; une parole d’artiste est une parole qui peut être seulement dite par un artiste, c’est une question de métier. C’est la question du corps : où commence-t-il et où finit-il ?

Le corps maboungien ressemble un puzzle. Si, comme l’a écrit Whitehead, le corps n’est qu’un « fragment du monde », alors le corps peut être lui-même considéré comme un assemblage ; et donc, face au tableau, une des questions que l’on peut se poser c’est combien de fragments constituent ce corps ? Souvent bras et torses s’associent, mais il y a une césure au niveau des membres inférieurs, et parfois bras et jambes semblent fixés, comme à des figurines (les grand nus). Maintenant, ce corps maboungien, que représente-t-il ? Qu’exprime-t-il ? Les verbes « exprimer » et « représenter » sont extrêmement chargés. La littérature est littéralement saturée de ce genre de terme, spécialement le second. Heureusement, il y a au moins un auteur qui peut nous aider à y voir plus clair et ce d’une manière expédiente. Nelson Goodman distingue entre « représenter » et « exprimer ». Comme il l’écrit : « la représentation porte sur des objets ou des événements, tandis que l’expression porte sur des sentiments ou d’autres propriétés ». Pour Goodman, si un tableau « exprime » quelque chose, cela veut dire qu’il faut trouver ailleurs qu’en lui-même ce qu’il exprime. Par exemple, un visage triste peint sur une toile ne représente pas la tristesse, mais il l’exprime, car sinon la peinture elle-même serait triste, ce qui ne fait aucun sens. Cela veut dire que l’expression est ailleurs que dans le tableau. C’est ce que dit Goodman : « Si a exprime b alors : (1) possède ou est dénoté par b ; (2) cette possession ou dénotation est métaphorique ; et (3) a refère à b » (Languages of Art), tandis que la représentation est située dans le lieu même de l’objet peint.

Je crois que la peinture de Mabounga représente et exprime, mais elle ne fait pas les deux en même temps ; c’est-à-dire que sur une toile nous trouverons une représentation ou bien une expression. Ce qu’elle donne, en tant que représentation, peut se décliner selon certains traits caractéristiques. Le premier, c’est donc la fragmentation. Le deuxième, c’est la standardisation des visages. Ils se ressemblent beaucoup, comme se ressemblaient les portraits et les visages du Haut Moyen-Âge, jusque vers le XVe siècle, avec, par exemple le Maître de Vyšší Brod (XIVe) ou encore Jaume Hauguet (1412-1492). Tous les visages ne se ressemblent pas, mais beaucoup sont semblables. La troisième standardisation dans sa peinture est le caractère résolument négroïde de ces mêmes visages. Là encore, Mabounga en a parfaitement conscience, mais a posteriori ; il ne se dit pas « je vais peindre des visages négroïdes »… En profitera-t-on, alors, pour le ranger dans la case des peintres africains ? Non. On pourrait citer ici notre peintre, qui avoue avoir décliné une invitation à venir rejoindre une exposition de “peintres africains”. Mabounga ne se considère pas comme un peintre africain, cependant qu’il peint des corps et surtout des visages négroïdes. On pourrait dire « et alors ? » On peut très bien peindre des visages négroïdes sans être africain ; et on peut très bien être d’origine africaine et peindre des visages négroïdes sans, pour autant, “faire” de la peinture africaine. En même temps, Mabounga dit que c’est de « là » qu’il vient, et ce « là », c’est Pointe-Noire, Congo. Mais il dit que sa manière de peindre doit tout à l’Occident, et non pas à l’Afrique. Et voilà pourquoi Mabounga n’est pas un peintre africain.

Pour parler de sa peinture, nous pouvons aussi nous rapprocher. Prenons, par exemple, deux tableaux sans titre, mais que, par commodité, je vais nommer M1 et M2. M1 et M2 partagent des similarités. Tout deux sont constitués d’un crâne et de personnages. Les deux partagent un équilibre entre les masses. M1 et M2 traitent du même sujet ; c’est un cirque, ça tourne en rond, c’est dynamique. C’est une danse. Les crânes sont défoncés, ouverts, ce qui ne les empêche pas de crier. Dans M1 (voir plus bas), des personnages sont assis sur le crâne, ils regardent le spectateur, d’un air stupéfait ; tandis que derrière le crâne, s’agitent des jambes. C’est très curieux. Tout se passe-t-il dans la même temporalité ? Sont-ce des couches temporelles superposées (au moins trois) ? M2 semble moins temporellement feuilleté. Mais il n’est pas moins intriguant. Une jeune femme tient dans son bras un énorme rat. Un homme est doté d’une tête d’homme en guise de ventre, et une femme a une tête d’oiseau nichée dans ses cheveux. Un énorme rat s’est invité dans la danse. Les personnages sont posés, à même la toile, comme dans les tableaux de Vincent Corpet. Ils sont détachés. Comme dans M1, on nous regarde ; sauf l’homme bicéphale et celui qui est cul par dessus tête (en bas à droite). En fait, comme dans M1, ils posent. Tout semblerait presque normal sauf cette tête de mort qui hurle et ces animaux. Mais rien n’est normal, tout est étrange. Les personnages sont insistants ; ils nous fixent. Il y a là quelque chose de monstrueux, certains personnages illustrent cette caractéristique. À partir de cette taxonomie goodmanienne, on peut peut-être proposer les exemples suivants: Le Nu exprime, tandis que M1 et M2 représentent. Le Nu exprime la tristesse (“l’abandon”, dixit Mabounga). M2 représente le caractère monstrueux, tératologique, de l’humain-animal…  

 

     M2

 Détail Sans titre 

Promenade des vies-3 2015 huile de lin encre 60 cm x 50 cm

Promenade des vies-6 2015 huile de lin encre 60 cm x 50 cm

Promenade des vies-7 2015 huile de lin encre 60 cm x 50 cm

Promenade des vies-7 2015 huile de lin encre 60 cm x 50 cm